ちび物語 デザフェス参加レポート

その数週間前、下北沢のおっしゃれなカフェ兼イベントスペース「Tefu Lounge」で5日間のポップアップを開催していた。展示は美しく仕上がり、雰囲気も温かく、作品への反応も良かった。でも金銭面では結果が振るわなかった。会場費と広告費を差し引くと、最終的に¥35,000の赤字だった。

この経験からの学びは、忙しいクリエイティブエリアであっても、カフェの客層は高額なアート作品を買う心構えができていない、ということ。5日間で売れたのは、額装作品4点、本16冊、ステッカーシート20枚。額装作品は注目を集めたけど、環境そのものが「じっくり収集する」より「気軽に眺める」方向に促していた。

デザインフェスタの客層は、開場した瞬間から違って感じた。

東京湾の台場にある東京ビッグサイトで年2回開催されるデザインフェスタは、日本最大のアートマーケット。実際に体験するまで、その規模は想像しにくい。何千人もの作家、巨大な展示ホール、途切れず流れる人波、そして一般的なマーケットというより文化祭に近い空気感。今年は6,500以上のブースが会場を埋め、週末の2日間で何十万人もの来場者を集めた。

東京ビッグサイト自体が、その壮観さをさらに増幅させる。逆三角形の有名な建築が周囲のホールの上にそびえ立ち、未来的でどこか演劇的な舞台のような空間をつくり出している。国内でも屈指の混沌と熱量を持つアートイベントの背景として、これ以上ないほどふさわしい。

ありがたいことに、金銭面では成功だった。

ブースの出展料は約¥120,000。広告・マーケティングは合計で約¥20,000で、主にInstagramのReelsをブーストした。合計すると、費用は約¥140,000だった。

2日間の売上は¥229,800に達し、利益は¥89,000。額装作品6点、本50冊、ステッカーシート38枚を販売した。

展示の見せ方にはいつもかなり力を入れていて、ブースは視覚的にも目立っていた。

45点の額装作品を壁一面に並べ、広いマーケットの中に小さなギャラリー空間を作った。低価格のプリントやステッカー、キーホルダー、ポスターを売る近隣ブースと比べると、ちび物語のブースは一段上で、キュレーションされた印象が強かった。来場者は足を止めて写真を撮り、展示の品質についてコメントしてくれた。何も買わない人でも、作品をじっくり見ていくことが多かった。

ただ、デザインフェスタはその環境におけるプレミアム価格の限界も浮き彫りにした。

多くの来場者は比較的控えめな予算で来ていた。ポストカードやおまけ、手頃なコレクタブルを求める声が多い。デザインフェスタの主流は、手に取りやすいグッズの経済圏だ。アクリルチャーム、ステッカー、小さなプリント、ジン、そして衝動買い。そうした文脈では、¥22,000の額装作品は、多くの来場者が出せる金額の上限ギリギリに位置する。

圧倒的に好意的な反応をもらったにもかかわらず、週末を通して売れた額装作品は6点だけだった。興味深いことに、そのうち2点は海外からの来場者（オーストラリア人1人、アメリカ人1人）による購入で、その価格帯で買ってくれた日本人コレクターは4人だけだった。

その対比で、僕にとって大事なことがはっきりした。

作品そのものは人の心に響いている。課題は価格と実用性で、賃貸だと家に飾れない人も多い。

このプロジェクトの採算面は、依然として大きな要素だ。

リソグラフ印刷だけで約¥110,000、作品50点の額装には¥275,000かかった。額装作品は6点売れたものの、在庫はまだ多く残っていて、額装作品40点と、未額装のリソグラフプリントが約490枚ある。

このプロジェクトを本当に利益の出るものにするには、もっと多くの額装作品を売る必要がある。

直感的には、これらの額装リソグラフ作品は、代官山・渋谷・新宿のようなエリアのプレミアムな小売環境のほうが、はるかに良い結果が出ると思う。そこでは来訪者が最初から「高価値のアートに触れ、場合によっては購入する」意図を持って来る。代官山T-SITEのような場所は、最終的にこのプロジェクトを向かわせたい方向性と、ずっと合っている気がする。

それでも、デザインフェスタの無形のメリットは大きかった。

新しいメール購読者、Instagramフォロワー、そして有望なプロとしてのつながりがたくさん増えた。多くのクリエイティブイベントと同じで、最も重要なリターンの一部は、すぐの金銭的成果ではなく関係性だった。

このイベントは、ソーシャルプラットフォーム、とりわけXの重要性が増していることも再確認させた。

近くのあるブースは週末を通して長蛇の列が途切れず、初日にほぼ完売し、2日目に向けて補充していた。出展者によると、その成功の多くはXでの継続的なプロモーション活動によるもので、日本のアーティストコミュニティは今もX上で非常に活発で反応が良いという。

もしデザインフェスタを純粋にビジネスとして捉えるなら、最適な戦略はこうなる：

– 低価格の商品
– 大量販売
– 攻めのSNSプロモーション
– 開催前の強い盛り上げ

でも、気持ちの面でも創作の面でも、僕は葛藤している。

安価なグッズを大量に作るより、プレミアムで高価値なアート作品を作るほうにずっと興味がある。キーホルダーや低価格商品を売れば安定した収益にはなるかもしれないけど、そのやり方で意味のある収入を築くために必要な制作量、イベント参加、物流の労力を長く続けられるイメージが湧きにくい。

デザインフェスタについて考えれば考えるほど、最終地点というより大事な足がかりに感じられる。

このイベントは、作品が注目を集められることを証明した。見せ方が重要だということも証明した。ちび物語の世界観に人が感情的につながることも証明した。でも同時に、これから進みたい方向もはっきりさせてくれた。

終わりのないマーケットイベントや薄利のグッズに注力するのではなく、ギャラリー展示、プレミアムな小売空間、そして日本の現代アートシーンでの表現・取り扱いの機会へと、意識を移すべきだ。

デザインフェスタは成功した――でもたぶん何より大きかったのは、次に目指すべき「成功の形」を僕の中で定義してくれたことだ。